Научная электронная библиотека
Монографии, изданные в издательстве Российской Академии Естествознания
Бутенко Н В,
1.1.1. Изобразительное искусство и его социокультурные смыслы в историческом аспекте
«…прошлое – это то, чего уже нет; будущее – то, чего ещё нет; настоящее абсолютно мимолётно, оно беспрестанно движется, искусство вырывая из этого потока то или иное явление, делает его бесконечным…»
Г. Флобер
Целостный исторический процесс «соткан» из многочисленных нитей культур всех стран и народов. На основе синтеза культур формируется единая, общепланетарная цивилизация с глобальной культурой и единым культурным пространством. Мы живем в очень сложное, но интересное время, когда человечество вступило в новую постиндустриальную или «ноосферную» цивилизацию, основанную на систематическом применении знания. Она символизирует собой не просто дальнейшее выделение человека из природной среды, но и возвышение, и господство над ней с помощью силы и энергии разума. В рамках нового культурного пространства утверждаются общечеловеческие ценности, особенно актуальные в наше время: экологической безопасности, идея ненасильственного мира и т.д. Многие сферы культуры, к которым относится наука, искусство, философия, мораль, образование, нравственные ценности человечества, всегда были не только классово направлены, но и содержали общечеловеческие универсальные начала.
В ситуации сверхнасыщенной информационной среды современного человека появляется соблазн «пробежать взглядом произведения искусства, приспособить его к современным нуждам, не утруждая себя дополнительной работой души». Будучи невостребованными, не подвергнутыми тому нравственному самоконтролю и очищению, к которому направляет нас искусство, духовные потенции человека скудеют, что способствует формированию нетворческой личности. Искусство, как особый род познавательной и творческой деятельности, связанный со спецификой взаимоотношений между субъектом и объектом в процессе познания, отражается в результатах этой деятельности по преобразованию мира по законам красоты.
История искусства состоит из примеров ученичества, заимствований и влияний друг на друга мастеров разных стран и народов, примеров творчества взаимодействия культур. Во все времена художники стремились через своё искусство (этот «магический кристалл» по выражению А. С. Пушкина) передать зрителю богатство окружающей действительности и своё к нему отношение. Искусством можно наслаждаться, даже не всегда до конца понимая конкретные идеи и замыслы художников, заключённые в произведениях искусства, воспринимая их, подобно музыке, чувствами и душой. Изобразительное искусство является неотъемлемой частью духовной и материальной культуры личности, воплотившей в себе всё разнообразие художественных, нравственных ценностей и идеалов различных эпох и культур. Освоение языка изобразительного искусства, рассматривающегося в контексте освоения культурных традиций и обычаев, по мнению Б. А. Столярова [12], усиливает познавательный интерес личности к искусству и способствует пониманию и сопереживанию художественных образов.
Рассмотрим основные точки зрения на возникновение искусства с времён античности до наших дней.
Еще в Античной Греции древние мыслители обращали внимание на то, что искусство обладает особой способностью гармонизировать внутренний мир человека, формировать его внутренние качества личности. По мнению древних философов (Аристотель, Платон, Плотин и др.), самой элементарной функцией искусства является удовлетворение потребностей или облегчение страданий человека, аналогичных утолению голода пищей. Искусство может не только заполнить пустоту в душе человека и поднять его энергию, как отмечал Аристотель, но и»очистить» души от вредной накипи. Аристотелем разработано учение о катарсисе (греч. catharsis – очищение), которое включало в себя представление о способности искусства к очищению человеческой души посредством «подобных эффектов». Любое талантливое произведение искусства, вызывая в душе человека эстетические чувства и эстетические переживания опосредованным образом, обращаясь к некоторому идеалу (положительному или отрицательному), формирует и нравственные качества личности, делая это гораздо убедительнее и настойчивее, чем это происходит при прямом нравоучении.
Согласно учениям Платона, искусство пришло в мир людей как мастерство и как средство, с помощью которого человек мог удовлетворять свои насущные потребности, когда одной «природы» было мало. Впервые термины «искусство» и»изящные искусства» возникли и получили первоначальную формулировку в творческой мысли Платона (427–347 гг. до н. э.), которые впоследствии Фрэнсисом Бэконом были названы переходящими подвижными концепциями. Платон стремился доказать, что по мере развития цивилизации искусство становится научно контролируемой операцией, осуществляемой человеком над природой ради намеченного блага. Демокрит считал, что искусство возникает из непосредственного подражания животным (именно в античности появился термин «мимезис» – подражание), что в искусстве не просто создаются образы реально существующих предметов и явлений, но и заложен импульс к сравнению с ними.
В эпоху Средневековья (IV–XII вв.) на этапе зарождения нового христианского мировоззрения искусство считалось испытанием для человека, а удовольствие только в ограниченной степени связано с художественным наслаждением. Определять восприимчивость средневековых людей к искусству – означало бы нарушение связи между красотой и эстетикой. В VI веке с утверждением христианства произошли изменения в отношении церкви к искусству, которое было призвано выражать эстетический и этический идеал христианства. Улыбка и радость, пронизывающие средневековое искусство, были искоренены, поскольку смех считался предосудительным, а мирские изящные искусства в прежнем виде игнорировались. В Средние века воспитательная функция искусства состояла в том, чтобы отвлечь человека от всего земного, низменного и приобщить к благочестию и духовной красоте. Обучение искусству входило в систему общего образования (монастырские школы, факультеты искусств в университетах), а молодежь должна была освоить «семь свободных искусств», в которых значительное место отводилось музыке. Таким образом, воспитание человека средствами искусства в период Средневековья осуществлялось в рамках христианской идеологии с целью поддержания в гражданах божественного благочестия и нравственного послушания.
В эпоху Возрождения постепенно сложился новый взгляд на природу, искусство, человека, основанный на новой вере в его силы и возможности, на принципах опыта, наблюдения и мышления. Характерными чертами концепций Возрождения были конкретность, предметность, тесная связь с художественной практикой и искусством. В эпоху Возрождения, на наш взгляд, чётко обозначилось светское направление в искусстве, которое развивалось не путем отказа от божественной сути, а соединением искусства с красотой природы и человека. Проблема красоты рассматривалась на основе возрастающего значения гармонии, а содержание красоты раскрывалось с помощью понятий полного соответствия, соотношения, пропорций, изящества, согласованности и композиций.
Просветители XVII века видели в искусстве средство преобразования и гармонизации общественной и индивидуальной жизни. В XV–XVII веках в теориях эстетического воспитания Епифания Премудрого, Дмитрия Ростовского, Феофана Грека и др. своё развитие получила эстетическая теория, основывающаяся на изобразительном и словесном искусстве. В России XVII века стали появляться первые эстетические трактаты (Иосиф Владимиров, Симеон Ушаков и др.), в которых отмечалась жизненность и красота произведений искусства, разработана его классификация.
Представители английского Просвещения XVII века (А. Смит, Ф. Хатчесон, А. Шефтсбери и др.) считали, что искусство является силой, способствующей культурному, моральному развитию общества и личности. В XVII веке расцветают два значительных стиля искусства – барокко и классицизм, где единственным гарантом спасения человека выступал разум. Господство человеческого разума, процветавшее во Франции XVII века и в Англии XVIII века, получило свое отражение в философских трудах просветителей (Р. Декарт, Н. Буало, Ф. Бэкон, Д. Локк, Г. В. Лейбниц, Б. Спиноза и др.). К свойствам красоты Ф. Бэкон (1561–1626 гг.) относил необычность пропорций, а предназначение искусства видилось им в выражении научных истин и моральных идеалов. Практика искусства этой эпохи была богаче, чем его эстетическое осмысление. Значение эстетических идей XVII века состояло в борьбе за высокое качество формы, точность стиля и ясность искусства.
Идеология эпохи Просвещения (1689–1789 гг.) была направлена на преобразование общества, которое осуществлялось путём распространения передовых идей в области философии, экономики, морали и искусства. Значение искусства в воспитании граждан на принципах разума и справедливости было велико. Одной из центральных идей, к которой было приковано внимание идеологов Просвещения, стала пропаганда «естественного человека» и «естественного» личностного развития. Посредством чувств, близких естественным добродетелям человека, просветители были устремлены к изяществу, соразмерности, гармонии, завершённости во всех художественных направлениях – от архитектурных ансамблей до прикладного искусства. Основными направлениями в изобразительном искусстве в эпоху Просвещения были классицизм и просветительский реализм, распространившийся преимущественно в графике и живописи. Педагоги и философы XVII–XVIII вв. отмечали, что общее воспитание человека невозможно без обращения к искусству, они настаивали на обязательных практических занятиях ораторским искусством, музыкой, рисованием и т.п.
Немецкие просветители XVIII века (А. Баумгартен, И. Винкельман, И. Гердер, Г. Лессинг и др.) явились основателями нового искусствоведения. Историк искусства И. Г. Винкельман (1717–1768 гг.) одним из первых показал, что изучение искусства может стать главным средством воспитания хорошего вкуса и нравственного поведения. Г. Э. Лессинг (1728–1781 гг.) обосновал познавательные возможности искусства и их значение в становлении личности гражданина. И. А. Гердер (1744–1803 гг.) выступил зачинателем эстетической феноменологии как области разносторонней эстетической чувственности, используя метод оценки произведений искусства, основанный на познании человеческой природы. Точка зрения на искусство И. Канта, Г. Спенсера, Ф. Шиллера связана с игровой концепцией культуры. Г. Спенсер утверждал, что искусство берёт свое начало в тех же импульсах, которые побуждают к играм.
Таким образом, эстетическая мысль эпохи Просвещения XVIII века была достаточно философична: она базировалась на идее подражания искусства природе, на сенсуалистическом понимании природы эстетического чувства, на воспитании и просвещении нравственности людей с помощью искусства.
Начало XIX века в России охарактеризовалось проблемами эстетической мысли: отношения искусства к общественной жизни (А. А. Бестужев, В. К. Кюхельбеккер, К. Ф. Рылееев и др.) и отношения искусства к действительности (Н. О. Лосский, Е. Трубецкой, С. Л. Франк и др.). Для периода конца XVIII – начала XIX вв. характерно становление эстетического знания как науки через общую теорию изящных искусств (наука о красоте в природе и искусстве, наука о вкусе, наука о прекрасном и изящном). К 60-м годам XIX века начала развиваться теория «чистого искусства» (А. Анненков, А. В. Боткин, А. А. Григорович, А. В. Дружинин и др.). Интересны, на наш взгляд, эстетические воззрения Ф. М. Достоевского, который не считал, что значение искусства можно измерить отражением текущих жизненных событий, и только сама красота, присуща искусству, воспитывает человека и граждански, и эстетически. Впервые Ф. М. Достоевский применительно к красоте искусства использовал понятие «художественность». Теоретические взгляды Л. Н. Толстого (трактат «Что такое искусство?») определили две главные тенденции в развитии искусства: демократизацию и изоляцию. Критерием искусства писатель определил «религиозное сознание своего времени». Русское национальное самосознание ярко проявилось в творчестве В. С. Соловьёва (трактат «Общий смысл искусства»), который разрешил вопрос о том, почему именно красота, а не добро и правда, представляет весь мировой процесс. Ответ заключался в том, что вне красоты идеи всеединства будут лишены полноты.
В 1-й четверти XIX века сформировалась теория символизма, которая стала преобладающей в культуре и искусстве. Определение искусства как воображения и красоты, как конкретного наслаждения сменилось дискуссиями о значении искусства редкостной способности человека создавать символы и знаки. В течение последней четверти XIX столетия на Западе ни одному другому виду искусства не уделялось такого внимания, как архитектуре. Всякое строительство и сами города рассматривались как благо человека, которое должно содействовать его жизнеспособности, терпимости, свободолюбию и религиозности. Таким образом, новая философско-эстеттическая парадигма XIX века, основанная на национальном самосознании, представляла синтез жизненных смыслов и религиозно-нравственных подходов в понимании искусства.
Стремительно разворачивалась феерия XX века. Человечество начало проникать в тайны системы «пространство – время». В самом начале века в искусстве ещё продолжали использовать направления и стили, рождённые предыдущим столетием, но одновременно стали проявляться радикальные изменения художественного мышления.
Созданные в начале XX века концепции искусства, раскрыли его подлинную сущность и социальное значение. Согласно концепции Э. Кассиера («Философии символических форм», 1931) способность создавать символические образы, а не разум делает человека человеком. Являясь высшей ступенью символизации, искусство формировало человека в высшем значении этого слова. Социальная философия Джона Дьюи нашла своё отражение в его концепции искусства, характерными элементами которой выступили философия и гуманизм. Согласно Д. Дьюи, искусство – это опыт; опыт – это биологическое взаимодействие, действие и испытание. В опыте, то есть в искусстве, ритм восприятий «поднимается высоко над порогом внимания и тут самопроявяляется» («Искусство как опыт», 1934). Значение искусства для жизни общества исследовалось с нескольких позиций (Д. В. Готшальк, трактат «Искусство и общественный строй», 1947). Главное выражалось в развитии зрелости и достоинства у человека, второстепенное предполагало охрану здоровья человека, развлечение, образование, религию и т.п.
Теоретические тенденции в искусстве XX века оформили новую парадигму культуры, определяемую понятием «постмодернизм». Новая антропоцентрическая эпоха века выступила эстетикой человековыражения. По мнению Р. А. Куренковой [6], в искусстве изменились содержательность, приёмы и средства выражения, философия художественной формы и языка.
Старейшей и научной является школа А. В. Бакушинского, сформированная в 20-е годы XX века, когда первостепенное значение придавалось изучению искусства как продуктов духовной и материальной творческой деятельности. В современной культурологической и художественно-эстетической литературе существует множество определений термина «искусство». Основные подходы к его пониманию представлены в исследованиях Н. Г. Багдасарьяна, Г. В. Иванченко, А. В. Литвинцевой и др., рассматривающих искусство как: а) специфический вид духовного отражения и освоения действительности; б) элемент культуры, в котором аккумулируются художественно-эстетические ценности; форма чувственного познания мира.
С философской точки зрения [13] «искусство» определяется как тип художественного познания и художественного мышления. В науке искусством называют собственно творческую художественную деятельность и её результат – художественное произведение.
В эстетическом исследовании искусства целесообразно выделить многообразие аспектов, позволяющих выявить его сущность.
Итак, онтология искусства связана с изучением способа бытия художественного произведения, с выявлением диалектики объективного и субъективного, реального и идеального, физического и духовного в произведениях искусства, а также с законами существования его содержания и формы. Психология искусства позволяет увидеть в нём специфическую сферу воздействия на эмоционально-интеллектуальный мир человека. Эвристика искусства – это сфера изучения искусства, которая связана с теорией художественного творчества, обозначающей процессы, составляющие творчество художника, исполнителя и зрителя. Социология искусства – это та грань исследования художественной реальности, в которой выявляются социальные свойства и связи любого художественного феномена, а также социальный контекст его происхождения, развития, функционирования и восприятия. Гносеология искусства раскрывает познавательные возможности искусства, отношения искусства и действительности, мира реального и мира художественного.
Рис. 3. Эстетические аспекты, выявляющие сущность искусства
(по Р. А. Куре нковой)
Резюмируя вышеизложенное, отметим, что искусство выступает «образом» мира и человека, переработанным в сознании художника, и выражается им в красках, формах, символах, знаках и звуках. В созданных художественных образах отражается не только действительность, но и мироощущение, мировоззрение культурных эпох. Только понимание специфического художественно-эстетического языка выразительности и форм искусства способствует его глубокому и адекватному восприятию. Неслучайно Л. С. Выготский [4] определил, что «искусство – есть социальное в нас, есть общественная техника чувства, орудие общества, с помощью которого оно вовлекает в круг социальной жизни самые интимные и самые личные стороны нашего существа…».
Первые проявления художественно-творческих дарований человека характеризовались неодолимым стремлением к освоению и познанию жизни в образной форме. На протяжении долгого времени искусство относилось к виду культурной деятельности, удовлетворяющей любовь и потребность человека к прекрасному. Эволюция социальных эстетических норм и оценок дала право называть искусством любую деятельность, направленную на создание эстетически-выразительных форм [1]. Традиции почитания произведений искусства в качестве эквивалента духовного и материального богатства существуют с незапамятных времён. Крупнейшие собрания произведений искусства мировое сообщество давно считает мировым достоянием. Следует отметить, что развитие современного искусства идёт по линии создания комплексных и синтетических искусств (балет, цирк, фигурное катание, компьютерная графика и т.п.) на основе слияния их с техникой и общей эстетизацией человеческого быта.
Существование разнообразия видов искусства обусловлено тем, что ни один из них не способен обеспечить многообразие художественно-эстетической картины мира. Такую картину может создать только мировая художественная культура, суммирующая отдельные виды искусства: архитектуру, скульптуру, графику, живопись, декоративно-прикладное искусство, литературу, музыкальное искусство, хореографию, театральное искусство, фотоискусство, киноискусство. Важное научное значение имеет концепция деления искусства на виды (Г. Гегель «Эстетика»). Рассмотрим основные виды искусства, отражающие содержание изобразительной деятельности более подробно.
Архитектура (греч. «arctitecton» – мастер, строитель). Целью этого монументального вида искусства является создание сооружений и зданий, необходимых для жизнедеятельности человека. Архитектура носит не изобразительный, а выразительный характер, не воспроизводя непосредственно действительность. Этот вид искусства способен интегрироваться со скульптурой, монументальной живописью, декоративным искусством и др. видами.
Скульптура (лат. sculptura, sculpo – «высекаю, вырезаю») воспроизводит явления жизни в объёмных формах, относится к пространственно-изобразительному искусству, позволяющему человеку осваивать мир в пластических образах. Как правило, объект изображения в скульптуре – человек, реже – животные. В отличие от графики и живописи, изображающих среду обитания человека, основным объектом изображения в скульптуре является лицо и тело человека. Архитектоническая организация объёма, зрительный эффект массы, выбор пропорций, специфический в каждом случае характер силуэта, рельефность формы, фактура лепки являются главными выразительными средствами скульптуры.
Графика (в переводе с греческого – «пишу, рисую»). В искусствоведении графика рассматривается как:
1) вид живописи;
2) отдельный подвид изобразительного искусства;
3) искусство рисунка.
Этот вид искусства основан на возможностях создания выразительных художественных образов путём использования различных линий, пятен, штрихов, наносимых на поверхность. Цвет в графике, в отличие от живописи, обычно один (чёрный). Графическое изображение условнее живописного.
Декоративно-прикладное искусство (ДПИ) относится к самым древним видам искусства. Его название происходит от лат. «deccoro» – «украшать». Как вид художественно-творческой деятельности ДПИ удовлетворяет утилитарные и художественно-эстетические потребности людей. В основе этого вида искусства лежат обычаи, верования, уклад быта и привычки определённого этноса. К ДПИ относятся изделия, выполненные из разнообразных материалов (металл, дерево, кость, глина, камень, ткань, кожа и т.п.) с помощью различных технологий.
Живопись (по К. Юнгу «письмо о живом»), изображая реальную действительность, создаёт иллюзию трёхмерности и объёмности. В живописи передаётся форма предмета, цвет, фактура материала, пространство и используются конкретные изобразительные средства: линия, цвет, светотень, линейная и воздушная перспектива. Сочетание цветов и цветовая гармония образуют в живописи колорит. Выразительность живописи определяется характером мазка и обработкой красочной поверхности (фактура).
Чтобы зритель глубже проникал в многообразный мир живописи, следует знать некоторые её особенности, напрямую зависящие от стиля эпохи, обычаев, традиций и индивидуальности художника, его методов и способов изображения.
Живопись как особый вид изобразительного искусства связан с передачей зрительных образов посредством нанесения красок на твёрдую или гибкую поверхность. В живописи различают следующие виды:
- монументально-декоративная живопись (стенная роспись, панно, плафоны);
- станковая живопись (картины, созданные на станках и мольбертах);
- миниатюра (маленькие по размеру изображения).
В истории искусства исторически сложилось деление художественных произведений на жанры живописи в соответствии с темами и объектами изображения. Очень часто в одном произведении встречается сочетание разных жанров. Жанры живописи (фр. «genre») делятся на «высокие» (исторический, мифологический и др.) и»низкие» (пейзаж, натюрморт, бытовой и др.) в зависимости от предмета изображения, темы и сюжета. Жанры развиваются вместе с жизнью человека, изменяясь по мере развития искусства.
В истории искусства различают следующие жанры живописи.
Бытовой жанр в России возник во второй половине XVIII века. Этот жанр изображает повседневную частную жизнь и нравы людей. Произведения бытового жанра разнообразны: они запечатлевают домашний быт и экзотику дальних стран, романтические страсти и сентиментальные переживания.
Исторический жанр. Расцвет исторического жанра наблюдался в эпоху Возрождения и до XIX века считался ведущим. Этот жанр обращается к историческим событиям и персонажам, а также к знаменательным событиям современности. Картины исторического жанра наполнены высокими эстетическими идеалами, драматическим содержанием и глубиной человеческих отношений. Очень часто в рамках этого жанра изображаются военные события, и тогда он тесно смыкается с батальным жанром.
Батальный жанр (от фр. bataille – битва). В этом жанре работают художники, изображающие эпизоды военных сражений, иногда военных походов, передающих героическую романтику и откровенные «ужасы войны».
Мифологический жанр соприкасается с историческим жанром. Мифологический жанр оформился в эпоху Возрождения, когда античные легенды дали богатейший материал художникам для воплощения рассказов и персонажей с этическим и аллегорическим подтекстом.
Анималистический жанр (от англ. animal – животное). Изображения животных часто использовались в античной скульптуре и вазописи. Художник-анималист особое внимание уделяет художественно-образной характеристике животного, его повадкам, декоративной выразительности силуэта. Художник часто наделяет изображённого животного чертами, поступками, переживаниями, присущими людям. Анималистический жанр сочетает естественнонаучные и художественные начала. Поджанром анимализма является иппический жанр, главным мотивом которого является изображение лошади.
Портрет (от фр. portrait – «воспроизводить что-либо черта в черту») – это изображение человека или группы людей, существующих или существовавших в реальной жизни в живописи, графике, скульптуре и фотографии. Цель портретного жанра – является отображение визуальных характеристик внешнего облика изображаемого человека, правдивого раскрытия его духовной сущности в единстве индивидуально-неповторимых и типических черт, присущих ему как представителю определённой эпохи, культуры, национальности и социальной среды. Портретный жанр оформился в период Возрождения и достиг вершин гуманистической веры в человека и понимания его духовной жизни.
Пейзаж (от фр. paysage, pays – местность, страна) – жанр изобразительного искусства, где главным является изображение природы и окружающей среды, видов сельской местности, городов и исторических памятников. С XVI в. пейзаж стал самостоятельным жанром, отражающий живописную передачу пространственной глубины, сложности цветовой гаммы и изменчивости световоздушной среды.
Натюрморт (от фр. nature morte – «мёртвая натура»). Первые натюрморты появились во Флоренции в начале XIV в. Натюрморт как жанр изобразительного искусства, наделённый сложным символическим смыслом, показывает предметы труда, творчества, обихода, убитую дичь, выловленную рыбу и т.п. Воспроизведение реальных предметов художником вызывает у зрителя эффект присутствия подлинной натуры.
При создании и ознакомлении с произведениями искусства художнику и зрителю важно, в какой технике работает художник. Техника живописи – это система материалов, инструментов и приёмов работы художника. Индивидуальные особенности техники художника называют – манерой исполнения. Техническая сторона искусства живописи многообразна и непосредственно зависит от характера пигментов (красящих веществ), основы, грунта, связующих веществ и различных покрывных лаков. В искусстве живописи использую различные техники изображения.
Ø Фреска – техника настенной живописи, при которой порошок пигмента смешивается с водой, и наносят на сырую штукатурку. В такой технике выполняется монументальная живопись.
Ø Секко – устойчивая живопись по сухой штукатурке («чистая фреска») использовалась в Италии до конца XVI в.
Ø Техника, основанная на масляных красках, формировавшаяся в течении XV в., расширила возможности живописцев, что обусловило разнообразие их индивидуальных манер. Связующим звеном масляных красок служат жирные высыхающие масла растительного происхождения. После высыхания масляных красок цвет на поверхности картины остаётся ярким и сохраняется неизменным.
Ø Техника акварели. Наиболее раннее название этой техники – «иллюминирование», т.е. раскрашивание, расцвечивание рисунка, сделанного пером. В такой технике используют следующие варианты:
1) путём наслоения изображения «по-сухому»;
2) «по-мокрому» (живопись «alla prima», т.е. выполнить работу за один сеанс).
Ø Роспись на гончарных изделиях, вазах, фаянсовой и фарфоровой посуде; оконная живопись на стекле.
Культурологическая парадигма образования в качестве базовых ценностей рассматривает ценности культуры как совокупности духовных и материальных объектов, создаваемых, хранимых и передаваемых поколениям с целью прогрессивного развития и сохранности видовой сущности. Видовое многообразие ценностей культуры предполагает наличие взаимосвязанных элементов системы отношений, наличие которых в человеке позволяет судить об уровне его художественно-эстетической культуры.
В Концепции развития образования в сфере культуры и искусства в Российской федерации на 2008–2015 гг. (25.08.2008) выделены основные цели, направленные на:
- обеспечение условий для эффективного развития и модернизации отечественной системы образования в сфере культуры и искусства в соответствии с приоритетами государственной политики;
- создание условий для получения художественного образования, приобщения к искусству и культуре всех слоев населения, в особенности детей, подростков, молодежи и т.д.
Искусство, в котором объективируется и в наибольшей степени концентрируется эстетическое отношение человека к миру, является неизменным фактором социализации личности, связывая её с обществом, воздействует на самые сокровенные стороны человеческого поведения. При этом приобщение к многообразным эстетическим отношениям через освоение художественных ценностей совершается без какого-либо ущемления суверенности самой личности, через её развитие и духовное обогащение, и что чрезвычайно важно, совершенно свободно. Различные подходы к возникновению и пониманию искусства свидетельствуют о многообразии его социокультурных смыслов.
Категория смысла многоаспектна. Смысл рассматривается как: единица познания; система значений и переживаний; характер осознания; отношение к объектам окружающего мира и т.п. Смыслы нельзя придумать, они универсальны и естественны для субъектов определённой культуры; выступают как бытийные константы мира, благодаря чему становятся основаниями конкретных актов мироотношения, в том числе и в специализированных формах культурной деятельности – искусстве, философии, науке и т.д. Богатство наполняемости смысла представлено его терминологическим разнообразием (смысловое взаимодействие, сфера смыслообразования, смысловые установки и т.д.). В содержательной трактовке Р. М. Чумичевой [16] смысл – это «…самостоятельное постижение человеком собственных мыслей в отношении своих мотивов, поступков, интересов, ценностей, определяющих уровень и качество жизни человека, его отношений с миром и со своим «Я».
В культурологическом контексте психолого-педагогической науки смысл представлен как фрагмент личностного качества субъекта, познающего культуру. В психологических концепциях совокупность смыслов рассматривается как критерий, определяющий грань между личностным, внеличностным и безличностным. В психосинергетическом контексте смысл является основой самовозникновения и самоорганизации новых смыслов. Изучая феномен содержательно-смысловой основы культуры, Н. Л. Худякова [15] представляет культуру как «… знаковую реальность, которая образует смысловое содержание отношений человека с миром и социокультурного кода».
Л. С. Выготский [4] утверждал, что социокультурные смыслы искусства в современном обществе подразумевают его бытие в культуре как способа чувственно-образного постижения мира, аккумуляции художественно-эстетических ценностей, специфического средства коммуникации и компенсации бессознательных импульсов, фактора духовно-нравственного развития личности. В любой культуре социокультурные смыслы являются подлинной мерой человечности, границей осмысленности мира, показателем содержания мира.
В теории искусства множественность социокультурных смыслов изобразительного искусства, основанных на научных позициях, предусматривают следующие варианты:
- Искусство как познание (поучение и наставление – одна из главнейших задач искусства). Согласно концепции отражения, познание начинается с определённого воздействия предметов внешнего мира на органы чувств, когда из сравнения ощущений рождаются суждения, а сопоставление суждений даёт конкретные знания. В процессе этого, по мнению П. Я. Флоренского [14], познание распадается на два этапа: формирование чувственных образов и мысленная обработка чувственных данных.
- Искусство как способ коммуникации, в котором закрепляется связь между обществом и человеком. Благодаря произведениям искусства человек знакомится с разными эпохами и странами, поколениями и личностями. Коммуникация в искусстве является особенным видом социального общения. Основой художественного общения является глубокий контакт искусства и социума при соблюдении допустимого нравственно-эстетического уровня одного и другого (А. А. Щербакова). Начальным звеном художественного общения выступает художественное восприятие.
- Искусство как способ компенсации в монотонной жизни человека, в которой через восприятие художественных образов человек проживает жизнь вместе с героями любимых произведений. При взаимодействии с искусством все скрытые желания и нереализованные возможности человека компенсируются. В таких видах искусства, как кино, театр и литература, взаимосвязь более очевидна, а в музыке, живописи и архитектуре механизм художественно-психологической компенсации более сложен.
- Искусство как эстетическая реакция, согласно которой, переживание человека при восприятии искусства выступает как уникальный психический продукт жизнедеятельности целостности человеческого организма. Психология искусства рассматривалась Л. С. Выготским [4] как учение об эстетической реакции через живое действие человека, в котором интегрировано социокультурное, личностное и нейрофизиологическое. По мнению древнего философа Августина [6], отсутствие у человека эстетической реакции выражается в уродстве – как сравнительном несовершенстве.
- Искусство как катарсис – центральная и определяющая часть эстетической реакции, проявляющаяся в преобладании аффективного противоречия. В рамках пифагорейской школы существовала теория и практика излечения телесных недугов и очищение души от вредных страстей (страх, ревность, гнев и др.) с помощью определённых музыкальных ладов. Аристотель под катарсисом понимал очищение через страх и сострадание, которые в процессе песнопения, музыки и т.п. ведут к облегчению и очищению, связанных с удовольствием. Нам близка точка зрения Л. С. Выготского [4], согласно которому катарсис рассматривается как сложная завершающая фаза психофизиологического процесса восприятия произведений искусства через разряд эмоций и»самосгорание» человека. Современный человек обращается к искусству для того, чтобы в зависимости от степени «овладения языком искусства» получить удовольствие.
- Искусство как средство накопления художественных ценностей. В процессе художественно-эстетического развития личности накопление художественных ценностей основано на формировании индивидуальной системы ценностных основ отношения ребёнка с искусством. Художественные ценности, накопленные в процессе взаимодействия личности с искусством и личностного опыта в процессе творческой деятельности, способствуют освоению общественной культуры, что, по мнению Н. Л. Худяковой [15], обеспечивает возникновение непосредственных социокультурных предпосылок целостного развития личности в процессе её образования.
- Искусство как средство формирования картины мира рассматривается через систему образов и наглядных представлений об окружающем мире, основанных на своеобразии восприятия и интерпретации ребёнком разных явлений и событий. Происходящие изменения картины мира в разные эпохи меняют творческие установки художников и взгляды современников на искусство. Представленная в искусстве «картина мира», обусловлена социокультурной реальностью в историческом контексте, имеющем в современных условиях формат «поликультурного пространства». Как отмечают исследователи (Е. Ю. Ежова, Е. В. Рубцова и др.), искусство способствует процессу самоидентификации каждого человека и снятию глубоких внутренних проблем, благодаря умению выражать интуитивно постигаемый «внутренний порыв» (А. Мальро).
Таким образом, вышеприведённые суждения рассматривают социокультурные смыслы искусства как форму выражения ценностей культуры в художественных образах, с которых начинается установление личностью конкретного отношения с культурой и искусством.
Формируя и оттачивая на искусстве вкус к красоте, человек стремится внести красоту во все области человеческой жизни, в саму жизнь, в поведение и отношение людей, в окружающую среду. Поскольку человеческая жизнь подчиняется тем же законам прекрасного и красоты, как и искусство, человек становится творцом самого себя. Социально-экономические преобразования, которые произошли в России в конце XX – начале XXI вв., повлекли за собой изменение привычного уклада жизни, пространственно-ценностных ориентаций и не могли не отразиться на воспитании подрастающего поколения.
В сложившихся социокультурных и экономических условиях взаимодействие с семьёй является важным направлением деятельности дошкольного образовательного учреждения, выполняющего интегральную функцию в развивающейся личности ребенка. Взаимодействие родителей и педагогов в художественно-эстетическом развитии дошкольников рассматривается как взаимная деятельность взрослых, направленная на введение детей в пространство культуры, постижение ее ценностей и смыслов. Социокультурные смыслы искусства подразумевают его онтологию (бытие) в культуре ребёнка как способа чувственно-образного постижения мира, аккумуляции художественно-эстетических ценностей народного декоративно-прикладного искусства, специфического средства коммуникации и компенсации бессознательных импульсов, фактора духовно-нравственного развития личности. Важнейшая педагогическая задача в дошкольном возрасте заключается в освоении искусства с помощью взрослого ребёнком через активизацию проявления интереса к произведениям искусства разных видов и жанров, на обогащение эстетического опыта посредством развития художественно-эстетического восприятия, эстетических эмоций и чувств.
Резюмируя вышеизложенное, отметим, что заложенные в искусстве невидимые связи, осваиваемые личностью в процессе творческой деятельности, выводят его на понимание ценностей и смыслов, способствующих становлению художественных и эстетических идеалов. Культура и искусство выступают средоточием смыслов, а их постижение и смыслотворчества могут представлять собой основное содержание художественно-эстетического развития детей дошкольного возраста.
Каждая культура совершенствует технологии, приемы, способы извлечения звука, цвета, формы, расширяются границы художественной сферы, но само искусство не меняет своей сущности, не становится более или менее прогрессивным. Это является важнейшей особенностью искусства как феномена культуры, когда развитие искусства происходит в рамках динамических изменений всей культуры и картины мира.
Вопросы для самопроверки:
1. В чём заключается специфика искусства?
2. Дайте историческую ретроспективу основных художественно-эстетических доминант возникновения искусства.
3. Перечислите виды искусства и возможные варианты их классификации.
4. Какие основные техники, используются художниками?
5. В чём своеобразие основных видов живописи?
6. Дайте развернутую характеристику жанрам живописи.
7. Определите эстетические аспекты искусства.
8. Как характеризуют искусство А. С. Пушкин и Л. С. Выготский?
9. Чем обусловлены и что подразумевают социокультурные смыслы искусства?
10. Перечислите варианты социокультурных смыслов искусства.
11. Раскройте основной смысл педагогической задачи освоения искусства в период детства.
Литература:
1. ru.wikipedia.org
2. smallbay.ry
3. Бибихин, В. В. Язык философии [Текст] / В. В. Бибихин. – М.: Издательская группа «Прогресс», 1993. – 416 с.
4. Выготский, Л. С. Психология искусства [Текст] / под ред. М. Г. Ярошевского. – М.: Педагогика, 1987. – 344 с.
5. Геташвили, Н. В. Атлас мировой живописи. – М.: ОЛМА Медиа Групп, 2007. – 368 с.
6. Гилберт, К. , Кун, Г. История эстетики [Текст] / К. Гилберт, Г. Кун. Кн. 1. – М.: Издательская группа «Прогресс», 2000. – 348 с.
7. Коломийченко, Л. В. Социальное воспитание детей в культурологической парадигме образования: монография [Текст] / Л. В. Коломийченко. – Перм. гос. пед. ун-т. – Пермь, 2008. – 154 с.
8. Культурология: Учеб. для студ. техн. вузов [Текст] / Н. Г. Багдасарьян, А. В. Литвинцева, И. Е. Чучайкина и др. – М.: Высшая школа, 2006. – 709 с.
9. Куренкова, Р. А. Эстетика: учеб. для студ. высш. учеб. заведений [Текст] / Р. А. Куренкова. – М.: Издательство ВЛАДОС–ПРЕСС, 2004. – 367 с.
10. Лотман, Ю. М. Об искусстве [Текст] / Ю. М. Лотман. СПб.: Питер, 1998. С. 14–20.
11. Неменский, Б. М. Педагогика искусства [Текст] / Б. М. Неменский. – М.: Просвещение, 1991. – 192 с.
12. Столяров, Б. А. Музейная педагогика: история, теория, практика [Текст] / Б. А. Столяров. – М.: Высшая школа, 2004. – 216с.
13. Философский словарь [Текст] / авт.-сост. С. Я. Подопригора, А. С. Подопригора. – Ростов н /Д. : Феникс, 2010.– 564 с.
14. Флоренский, П. А. У водоразделов мысли [Текст] / П. А. Флоренский, Т. 2. – М.: «Прогресс», 1990. – 280 с.
15. Худякова, Н. Л. Философия и развитие образования: учеб. пособие [Текст] / Н. Л. Худякова. – Челябинск: Изд-во ИИ-УМЦ «Образование», 2009. – 230 с.
16. Чумичева, Р. М. Ценностно-смысловое развитие дошкольников (на материале истории и культуры Донского края)
[Текст] / Р. М. Чумичева, О. Л. Ведмедь, Н. А. Платохина. – Ростов-н/Д, 1995. – 272 с.